Algo Pasa Con Clint (Swan Week, Vol. III)

Cuando se estrenó "π" en 1998, se convirtió en eso que llaman "clásico de culto instantáneo". Una historia de matemáticas, Torah y conspiranoia en un violento blanco y negro, pocos medios y mucha inspiración, que fue el debut en la dirección de Darren Aronofsky. Como amante de la música electrónica, la banda sonora me pareció un dulce: Aphex Twin, Orbital, Autechre, Roni Size, y un tema principal brillante, drum'n'bass turbio e hipnótico compuesto por otro presunto debutante, Clint Mansell. Ese nombre me sonaba de algo, pero no lo ubicaba. Tal vez fuera algún productor de ese tipo de música que a veces funciona como jungla de grupos efímeros y formaciones mutantes. En cualquier caso, era lo primero que componía para cine, dos breves piezas que reflejaban perfectamente el caos y la paranoia del argumento. Tremendas.

Dos años después, Aronofsky presentó "Requiem Por Un Sueño", película que como todas las de su filmografía cuenta con tantos amantes como detractores. Yo estoy entre los primeros. Más presupuesto,  actores de renombre, y la confirmación de un estilo efectista (en el mejor sentido según unos, en el peor según otros) en el que el montaje, el sonido o las músicas juegan un papel tan importante como el guión o los actores. Volvía a aparecer Clint Mansell a cargo de la banda sonora, y esta vez era una partitura en la que los instrumentos de cuerda, a cargo del prestigioso Kronos Quartet, describían el desasosiego y la angustia, con una música bella hasta el dolor, cuyo tema principal ha sido utilizado docenas de veces en anuncios, videojuegos, montajes, y hasta en trailers de otras películas. Seguro que muchos creéis que este tema tan famoso pertenece a "El Señor de los Anillos". Pues no.

No recuerdo en qué momento me enteré de algo que me dejó pasmado y con una sonrisa de oreja a oreja. Clint Mansell no era otro que el líder de uno de mis grupos favoritos, disueltos a mediados de los 90, Pop Will Eat Itself. Creadores de lo que ellos mismos llamaron grebo, una suerte de rock/hip-hop/industrial muy gamberro y de estética llamativa y fabulosamente hortera que estuvieron en activo desde 1985 hasta el 96. Sus vídeos eran como para echar a correr de horrorosos, así que mejor dejo el link  de una de sus mejores canciones por si alguien tiene curiosidad de ver a ese señor que se parece a Rosendo que canta-recita, y que es el insigne compositor de unas cuantas bandas sonoras imprescindibles en esta última década, fíjate tú.

(aquí ya tiene un aspecto más presentable)

Pues eso, tras la década (bastante exitosa) con el grupo, tuvo la gran idea de dedicarse a la música de cine, y no pudo hacerlo mejor. The Hole,  Murder by Numbers, Moon, 11:14,  The Rebound, entre otras, y por supuesto las siguientes tres películas de su colega Aronofsky, "La Fuente de la Vida", "El Luchador", y, cómo no, "Cisne Negro".

Si en las dos entradas anteriores hablaba maravillas de las actrices, de la música de Mansell no se puede decir menos. Es una lástima que no haya podido ser seleccionada para el Oscar, porque básicamente es una "reinterpretación" de El Lago de los Cisnes de Tchaikovsky, una tarea difícil y con muchas posibilidades de caer en el ridículo, que él resuelve con maestría, usando fragmentos y retales y adaptándolos al desarrollo de esta turbadora historia. Ya ha compuesto para otros directores, así que su talento queda demostrado. Lo que no parece tan claro es si Aronofsky podría hacer una película prescindiendo de Mansell, que hasta ahora ha engrandecido todos sus trabajos. Pero en el cine estamos acostumbrados a presenciar separaciones de sólidas parejas artísticas.  Ojalá que en este caso eso tarde lo más posible.

Algo Pasa Con Natalie (Swan Week, vol. II)

Su mirada...

La mirada de Natalie Portman es uno de esos tesoros que el cine nos ofrece de vez en cuando. Un elemento físico alimentado por una carga emocional intensísima que la sitúa a una distancia sideral de muchos otros intérpretes con más edad, oficio o recursos. No digamos ya de los de su generación. En 1994, una entretenida película de acción, "Leon", nos la dio a conocer, y sin duda fue un acontecimiento. Un thriller violento con un toque espiritual que, si bien estaba por encima de la media en su género, tampoco hubiera pasado a la historia de no ser por la presencia de la Portman. Vaya presencia. Ahí había algo grande. Una niña de 13 años capaz de ser dulce, tramposa, violenta, frágil... y hacerlo creible. Robando cada escena en la que aparecía y mostrando en su mirada un catálogo de sensaciones que ni las cartas de colores de pinturas para paredes. Y un par de años más tarde, repitió la jugada (aumentada y corregida) en la tragicomedia modernuki "Beautiful Girls", en un papel de Lolita indie donde dejaba a actorazos como Timothy Hutton, Uma Thurman, Matt Dillon o Michael Rapaport a la altura de una babucha. 

Era todo demasiado bonito para ser cierto, y en cuanto se metió a hacer de dama de Elche galáctica Princesa Amidala en la segunda/primera trilogía de Star Wars, más de uno pensó (pensamos) en casos como el de, por ejemplo Kirsten Dunst, que entró en el cine arrasando ("Entrevista con el Vampiro") el mismo año que Portman, y poco a poco su presencia poderosa y enigmática se fue diluyendo en papeles absurdos en comedias bobas y dramas más bobos aún. Pero Portman, afortunadamente ha conseguido llevar una carrera más sólida, aún participando de vez en cuando en cosas muy olvidables (incluida toda la trilogía de los mariclones esos). 

 De esta "etapa intermedia", hay una peliculita menor que podría pasar por telefilm de sobremesa, "Anywhere But Here". Road movie lacrimógena con madre desquiciada e hija pragmática que lucha por llevar las riendas emocionales y blah blah blah. Podría ser un truño, pero Natalie, ah, Natalie. Midiéndose nada menos que con Susan Sarandon (pasadísima de rosca), que no es cualquiera cosa. Y la ganadora del duelo sin duda fue Portman. 

Recuerdo que ese año yo participaba en un programa de ocio de una tv local haciendo una minisección de cine, e hice un comentario encendidísimo sobre su mirada en esta película. Tengo grabada en la memoria una escena en la que espera una llamada importante. Suena el teléfono, lo coge su madre, y ella escucha ansiosa, pero no sale como esperaba. Por su mirada pasan todos los matices (expectación, alegría, tensión, incertidumbre, decepción, tristeza), de una manera tan natural, sin sobreactuación, tan creible... toda una lección del arte de interpretar a cargo de una adolescente. He intentado encontrar esta escena pero no ha habido manera. Si alguna vez véis esta película, acordaos de esto.

Su primer papel adulto (adultísimo, nada menos que una stripper) se lo dio Mike Nichols en la estupenda "Closer", que le valió el Globo de Oro y su primera nominación al Oscar, como Secundaria. Y tras "V de Vendetta", "Zona Libre", "Brothers" y alguna otra cosa poco destacable, le ha llegado su gran papel, una interpretación peligrosa porque es de las que marcan una carrera y pueden jugar a su favor (como la Sophie de Meryl Streep) o en su contra (como la Virginia Woolf de Nicole Kidman). Intenso en lo físico y devastador en lo emocional. Absorbente. Mágico. 

(maravillosos carteles no utilizados)

Su Nina Sayer de "Cisne Negro", independientemente del valor de la película (que ya sabemos que hay división de opiniones) está ya en la Historia del Cine por méritos propios. Por esa mirada que salta entre el limbo (nunca el paraiso) y el infierno y estremece y sobrecoge y conmueve. Y te la crees. Puede que otras cosas no te las creas, pero a ella, siempre. En cada plano, en cada movimiento, en cada gesto. Si no fallan todas las predicciones, el domingo recogerá su merecido Oscar. Y cruzaremos los dedos para que no sea un premio maldito, como tantas otras veces. Yo apostaría a que no lo va a ser.

Algo Pasa Con Barbara (Swan Week, Vol. I)

Señoras, señores, gentes de mal vivir y buen bloguear, permitidme que dedique una entrada a una de las criaturas más fascinantes e infravaloradas del cine, la hermosa, la sensual, la grandísima Barbara Hershey (oooohhhh....).

(viviendo en la era pop)

Nacida Barbara Lynn Herzstein en 1948, empezó pronto a hacer apariciones en Tv y participó en varias películas de diferente repercusión, entre ellas un título de culto,  la segunda película de Martin Scorsese, "Boxcar Bertha", de 1972, con su amor de entonces, David "Kung Fu/Kill Bill" Carradine. Fueron una pareja bella, talentosa, contracultural y muy hippy. Ella accidentalmente se cargó una gaviota en un rodaje y le dio tan mal rollo que decidió llamarse por un tiempo Barbara Seagull como homenaje a la finada. Según parece, entre que el choteo por parte de la industria con su nuevo alias fue general, y que se centró demasiado en su relación con Carradine (retoño incluido, al que llamó Free -Libre-, y que después se cambió rebeldemente el nombre a Tom. Tenga ud. hijos para esto...), su tan prometedora carrera empezó a flaquear,  hasta que llegaron los 80 y de nuevo los buenos papeles.

(aquí, estrangulando un gato, pero se lo pensó dos veces antes de cambiarse a Barbara Cat)

En 1980 co-protagoniza un éxito hoy olvidado (y muy reivindicable), "Profesión: El Especialista", y el año siguiente fue la protagonista absoluta de  "El Ente", morbosa e inquietante película basada en un caso real (gasp!) de una mujer atacada por un ser sobrenatural. Y atacada es... atacada. La imagen de los pechos de la Hershey magreados por las huellas de unas manos invisibles causó gran impacto. Bueno, toda la película causó gran impacto. Y algunos bostezos. Esto..., no estaba mal, pero era demasiado larga y lenta para su género, y toda la expectación generada se diluyó rápidamente. 

 (¿sueñan las amas de casa aburridas con maromos sobrenaturales?)

Y desde entonces, siempre ha estado ahí, y ha demostrado su magnetismo en la pantalla y su valía como intérprete (sí, hasta en El Ente, lo juro), pero por alguna extraña razón que se me escapa nunca ha conseguido estar en primera fila. El mundo del cine está lleno de incógnitas, queridos y cinevoraces lectores. No se puede decir que no haya participado en películas importantes: "La Última Tentación de Cristo", "Elegidos para la Gloria", "El mejor", "Hoosiers", la fallida "Retrato de una Dama", por la que consiguió por fín una candidatura al Oscar, y dos obras imprescindibles, "El Ojo Público", una exquisitez bastante desconocida que recuperaba el espíritu del cine negro de los 40 (a la manera de la posterior "L.A. Confidential") donde aparecía elegante y glamourosa hasta no poder más. 

 (deja que pruebe tu puro, encanto...)

Y la obra maestra absoluta, redonda, total, la grandísima "Hannah y Sus Hermanas", de Woody Allen.

 (Woody está detrás de Barbara y Mia Farrow intentando desenredarles las melenas tras hacer de ABBA en un karaoke.  Pero Dianne Wiest se llevó el Oscar)

Un gran y merecidísimo éxito de público, crítica y premios. Incluso consiguió el de mejor actriz dos años consecutivos en el Festival de Cannes (oh la la!). Pero ni por esas. Barbara siguió estando en segunda división. Aunque probablemente haya sido mejor así. No conozco a nadie que sea más o menos cinéfilo y no babee (por motivos que van de lo lúbrico a lo artístico, muchas veces combinados) al mencionarla. De haberse convertido en una estrella, seguro que habría tenido que cargar con papeles anodinos en sonrojantes comedietas olvidables o peliculones dramáticos de temporada muy sentidos y muy over the top. Eso que nos hemos ahorrado. Y se la ha podido disfrutar en otra exquisitez, "La Hija de un Soldado Nunca Llora", en un par de thrillers estupendos, "Lantana" y "11:14", y en un puñado de producciones televisivas. 

 (Lantana sobre Lantana, y sobre Lantana una....)

 Y ahora, con 62 años y aún tremendamente bella y rotunda (vale, algo de quirófano hay, pero del bien hecho) hace de mater a-mantis-ima de Natalie Portman en la recién estrenada "Cisne Negro", candidata a peli malrollera del año, la década y lo que se tercie. Pero como ya está todo el mundo hablando de ella (ah, ¿que no habéis visto lo que ha escrito mi primo? No sé qué hacéis perdiendo el tiempo por aquí. Leedlo, leedlo...), pues no voy a decir nada más que me ha gustado bastante pero no tanto como esperaba, pero no diré por qué para no desvelar nada a quien aún no haya ido a verla. Merece la pena, sin duda. Hay películas que merecen ser vistas tanto si gustan como si no. Y aquí está la Portman dándolo todo, la Kunis dando cabeza (ejem), la Wynona loquísima del potorro, y Barbara Hershey volviendo a demostrar lo buena actriz que es, lo bien que madura y lo poco que ha necesitado el estrellato para demostrar su brillo. Y lo que le queda.

(y cambió a Kung Fu por Sayid Jarrah!! Digo, la tía...)

 

Yo Tenía Unos Lobos En Rusia

En lo que llevamos de 2011 ya nos han dejado un puñado de ilustres del cine (y alguno de la música que todavía está pendiente de homenaje en este desprestigioso espacio). Pete Postlethwaite, Susannah York, Peter Yates (director a reivindicar), Anne Francis, y ahora el gran-gran-gran John Barry. Por si a alguno no le suena su nombre, antes de que levante alguna ceja con expresión de "¿y este quién es?", sabed que le conocéis de sobra, ha sido uno de los compositores de bandas sonoras más importantes de la historia del cine. Nacida Libre, King Kong (versión 1976), Robin y Marian, Peggy Sue Se Casó, El León En Invierno y un largo etcétera con tres momentos estelares que forman parte de la memoria colectiva, hasta de la no excesivamente cinéfila: La saga de James Bond, Memorias de Africa y Bailando con Lobos. 4 Oscars a la mejor banda sonora, uno a la mejor canción (la maravillosa "Born Free"), varios Globos de Oro y un Grammy para una carrera en la que alternó grandes partituras orquestales y pequeñas (pero igualmente grandes) composiciones de corte jazzistico (como la excelente "Fuego en el Cuerpo"). 

(¡y estuvo casado con Jane Birkin!)

Desde que se ha sabido la noticia, en practicamente todos los espacios que han hablado de él se ha recurrido, como es lógico, a sus tres momentos mayores, pero desde aquí quiero darle la despedida con la que para mí es la favorita entre tanta obra maestra, como igualmente favorita es esta inmensa película pequeña, escandalosa en su momento (y aun así ganó el Oscar, la única con clasificación X -no por porno, claro- que lo ha conseguido hasta la fecha) y fantástica siempre. La amistad de dos perdedores en la devoradora Gran Manzana, Cowboy de Medianoche.

El Cine de 2010 Según Teodoro (Actualizado)

(Actualización: La edad no perdona, y a pesar de que le dí vueltas y repasé unas cuantas veces las películas, al final no caí en que  me había dejado fuera una de las que más me habían gustado, pero ya está solucionado el error. Ay, esta chochez...)




Y siguiendo con las listas, hoy le toca el turno a mis películas favoritas estrenadas en 2010 (antes de que digáis nada de que vaya memoria y tal, es tan simple como consultarlo en la web y luego seleccionar). Este año la sensación general es algo peor que en los años anteriores, aunque sigue habiendo muy buenas películas. O muy disfrutables, que todo siempre es subjetivo. De Hollywood solo hay una muestra (y media) en la zona más baja de la tabla, y el resto es un cocktail de paises, lenguas y estilos de lo más suculento, gana Francia como es habitual, seguida sorprendentemente por Italia.

En la criba final se han quedado fuera  "Buried", "En Tierra Hostil", "Madres e Hijas", "The Town" y "Mamá Está en la Peluquería". Y hay un par de inclasificables que creo que me han gustado aunque no estoy del todo seguro ("Uncle Boonmee Recuerda Sus Vidas Pasadas" y "Film: Socialisme"). Por lo demás, las más destacables del año, siempre en la opinión personal e intransferible de vuestro humilde narrador, son:

15.- "Yo Soy El Amor", de Luca Guadagnino

(Italia)

14.- "Bright Star", de Jane Campion

(UK/USA/Australia)

13.- "Biutiful", de Alejandro Gonzalez Iñárritu

(México/España)

12.- "La Red Social", de David Fincher

(USA)

             11.- "Pájaros de Papel", de Emilio Aragón

(España)

10.- "Un Hombre Soltero", de Tom Ford

(USA)

9.- "El Escritor", de Roman Polanski

(Francia/Alemania/UK)

8.- "La Cinta Blanca", de Michael Haneke

(Alemania/Austria/Francia)

 7.- "Carancho", de Pablo Trapero

(Argentina)

6.- "Villa Amalia", de Benoît Jacquot

(Francia)

5.- "Copia Certificada", de Abbas Kiarostami

(Irán/Francia/Italia)

4.- "Elisa K", de Judith Colell y Jordi Cardena

(España)

3.- (ex-aequo) "Un Profeta", de Jacques Audiard / 
"Enter The Void", de Gaspar Noe

(Francia)

2.- "Vincere", de Marco Bellocchio

(Italia)

1.- "Canino", de Yorgos Lanthimos

(Grecia)

 (¿Cómo te quedas, Adrianos?)

Mis Películas Favoritas De La Década, vol IV: El Top Ten

(Este es el bloque final de mis películas favoritas de los "noughties", la década del 2000. En estas no voy a añadir comentarios porque en general son bastante conocidas, y porque todas me gustan tantísimo que me sería difícil ser breve y concreto, Tengo a mis redactores en pleno acabando las listas de música, pero probablemente tardarán unos días en salir, porque me espera una semana de mucho trabajo y creo que no voy a estar muy presente por esta querida blogosfera. Aprovecho para felicitar de nuevo el incierto 2011 que recien empeza, y para agradecer todos los comentarios que dejásteis en la entrada anterior. Qué fatiga. Besos fuertes y apretaos para quien los quiera)

10.- "Kill Bill, vols. 1 y 2", de Quentin Tarantino (USA, 2003)

9.- "Irreversible", de Gaspar Noe (Francia, 2002)

8.- "Old Boy", de Park Chan-wook (Corea, 2003)

7.- "El Secreto De Sus Ojos", de Juan José Campanella (Argentina, 2009)

6.- "Requiem Por Un Sueño", de Darren Aronofsky (USA, 2000)

5.- "Para Todos Los Gustos", de Agnes Jaoui (Francia, 2000)

4.- "Mulholland Drive", de David Lynch (USA, 2001)

3.- "Ciudad De Dios", de Fernando Meirelles (Brasil, 2002)

2.- "Dogville/Manderlay", de Lars Von Trier (Dinamarca, 2003/2005)

1.- "Elephant", de Gus Van Sant (USA, 2003)

Mis Películas Favoritas De La Década, vol.III: Del 20 al 11

20.- "Te Quiero Para Siempre", de Susanne Bier (Dinamarca, 2002)

Como en la siguiente y también excelente "Hermanos", Susanne Bier, dentro del movimiento Dogma 95, cuenta una historia que se presta a todo tipo de exageraciones melodramáticas y sentimentalismos desatados, de la manera más fría y sosegada. Dos parejas involucradas en un accidente que tritura sus ordenadas vidas por un erróneo concepto de la lealtad y el sacrificio.

  

19.- "Whisky", de Pablo Stoll y Juan Pablo Rebella (Uruguay, 2004)

 Tres soledades en un entorno cutre y desangelado. Un humor suave,sutil, lleno de ternura, en una aparente miniatura que encierra una de las obras más enormes que ha dado el cine en los últimos años.

18.- "Antes Que El Diablo Sepa Que Has Muerto", de Sidney Lumet (USA, 2007)

El gran Sidney Lumet dirige con 84 años un thriller turbio y malsano, un atraco sencillo que deriva en gigantesca tragedia con un reparto brillante y un guión sólido y contado a modo de puzzle. Y demuestra que es tan moderno o más que todos sus discípulos.

17.- "La Soledad", de Jaime Rosales (España, 2007)

Historias de dos mujeres, con sus quehaceres y cositas del día a día. Y un acontecimiento brutal. Lenta e insoportable para muchos, fascinante por su juego de lenguaje visual para muchos otros, ganó los Goyas a la mejor película y director.

16.- "Y Tu Mamá También", de Alfonso Cuarón (México, 2001)

Dos aburridos niños pijos mexicanos con ganas de aventura y una  aburrida casada española con ganas... de aventura. Un viaje juntos que marcará sus vidas. Sensual, divertida, ácida, dramática. Excelente trío protagonista e interesante banda sonora.

15.- "Canino", de Giorgios Lanthimos (Grecia, 2009)

Inclasificable. Comedia negra, surrealista drama social, ácida metáfora política...tantas cosas se pueden decir de esta película que lo mejor es verla, siempre que se tenga un estómago resistente y una mente bien abierta. No confundir con "Camino"....aunque en realidad no se diferencien tanto en su mensaje.

 14.- "Olvídate De Mí", de Michel Gondry (USA, 2005)

Reputado director de videoclips, Gondry pone en escena un guión del siempre estimulante Charlie Kauffman que pasa por ser una de las historias más originales y, a su manera románticas que ha dado el cine comercial de estos años. Quien siga diciendo que Jim Carrey no es buen actor, que vea esta película y se atreva a repetirlo.

13.- "Nueve Reinas" y "El Aura", de Fabián Bielinsky (Argentina, 2000/2005)

Como pasó con las de Robert Altman, no puedo decidirme por ninguna de estas dos únicas películas del malogrado Bielinsky. La primera, bien conocida, una historia de fraudes, trapicheos y engaños varios de guión prodigioso y reparto mayusculo. La segunda...la segunda es un thriller austero, envolvente, rodado con pulso y hechuras de cine clásico y con un maravilloso homenaje a "All That Jazz" de Bob Fosse que termina de acercarlo a la perfección.

12.- "De Latir, Mi Corazón Se Ha Parado", de Jacques Audiard (Francia, 2005)

Otro thriller atípico. Aunque es un remake y nunca he conseguido ver el original, no creo que sea mejor que este, un guión singular que mantiene el ritmo y el suspense de principio a fin, y un Romain Duris guapo a rabiar e inmenso en su papel de matón que quiere dejar de serlo para dedicarse a la música.

11.- "La Escafandra Y La Mariposa", de Julian Schnabel (Francia/USA, 2007)

Y por último en este tramo, otro de esos regalos que nos hace el cine de tanto en tanto. Basada en el libro escrito (o dictado, mejor dicho) por un exitoso redactor de una revista de modas que queda totalmente paralizado tras un accidente, con su cerebro intacto y su ojo parpadeante como única vía de comunicación con el mundo. Otra historia que se prestaba al mayor de los sentimentalismos y que Schnabel resuelve con vitalidad e incluso  pinceladas de humor, sin perder el sentido trágico del asunto. Y una fuerza en las imágenes que funciona como el envoltorio perfecto.